Edvard Munch: entre el reloj y la cama

Autorretrato: entre el reloj y la cama (1940-43) fue uno de sus últimos trabajos. Esta notable pintura muestra la habitación del artista. Este permanece impasible entre el reloj del abuelo, que -sin marcar las horas- existe fuera del tiempo, y la cama, en la que transcurre el lapso de la vida de un ser humano, testimonio de su soledad. El propio artista parece congelado, aplastado, ya se ve a sí mismo como un cadáver rígido. Iba a morir, poco después de pintar esta austera despedida, en 1944.

Aunque el artista noruego Edvard Munch (1863-1944) alcanzó notoriedad al principio de su carrera por sus inquietantes representaciones de la ansiedad y alienación humana que reflejan la experiencia moderna, su madurez artística se produjo alrededor de 1913 a la edad de 50 años. A lo largo de su carrera, Munch revisó regularmente temas de sus primeros años, explorándolos con renovada inspiración e intensidad. A partir de este mes, The Met Breuer, emblemático edificio diseñado por Marcel Breuer del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, ha organizado la exposición Edvard Munch: entre el reloj y la cama, en la que se incluyen 16 autorretratos del pintor.

El niño enfermo (1907). La pérdida de su hermana le golpeó terriblemente y es el tema de una de sus primeras pinturas verdaderamente personales, The Sick Child, que pintó originalmente en 1885-1886 cuando tenía unos 20 años. Esta escena del lecho de muerte sin adornos y totalmente desgarradora le obsesionaba tanto que lo repintó seis veces. 

Estado de ánimo enfermo al atardecer, desesperación (1892). La misma barandilla de madera, la misma perspectiva e incluso una mancha de color rojo sangre muy similar sobre el manchón del fiordo, anticipa visiblemente El grito. Aquí vemos el sufrimiento de la humanidad desde fuera, no desde el interior.

Autorretrato en el infierno (1903). Un autorretrato audaz y extraño. Las llamas y el humo del infierno se elevan a su alrededor, pero ¿es él un alma condenada o un demonio? Desnudo, su cuerpo iluminado por el fuego, su cara parece una máscara roja demoníaca horrible.

Llanto desnudo (1913-14). En esta pintura proyecta su psicología a la realidad. Retrata un modelo de la vida, representando un momento real de tristeza. Es una gran pintura de desnudo que es a la vez sensual y trágica, voyerista y compasiva. Munch siente el dolor de esta mujer incluso cuando absorbe su belleza angustiada.

La Noche nómada (1923-24). Munch expone en este autorretrato su propia debilidad y soledad despojado de toda pomposidad y autoestima. No lo vemos aquí como un artista, sino simplemente como un hombre envejecido, incómodo y aislado que camina por la noche en su casa, mirándonos con incomprensión. Su mirada hueca lo convierte en una personificación ambulante de la noche azul vacía detrás de él, un hombre al que la oscuridad le ha penetrado.

Autorretrato con cigarrillo encendido (1895). Munch se deja llevar por su lado melodramático en esta inquietante imagen de sofisticación y malestar de fin de siglo. De pie en el escenario, como un personaje siniestro en una obra de teatro, con el cigarrillo entre los dedos, está a punto de contarnos una historia de fantasmas o alguna otra historia escalofriante.

Nacido y criado en Noruega, Edvard Munch fue uno de los artistas más célebres y controvertidos de su generación. Artista prolífico, creó aproximadamente 1.750 pinturas, 18.000 copias y 4.500 acuarelas, además de escultura, arte gráfico, diseño de teatro y cine. Influido en sus inicios por el impresionismo y el simbolismo, pronto derivó hacia un estilo personal que sería fiel reflejo de su interior obsesivo y torturado, con escenas de ambiente opresivo y enigmático –centradas en el sexo, la enfermedad y la muerte–, caracterizadas por la sinuosidad de la composición y un colorido fuerte y arbitrario.

La danza de la vida (1925). Algunas personas se enamoran y su amor es correspondido. Otras quedan atrapadas en relaciones siniestras, aterradoras y crueles, como la mujer que baila con un fantasma de cara verde. Algunas permanecen solas, como la mujer de blanco, mientras que otras quedan enviudadas, como la mujer de negro. Esta pintura expresa la visión de la vida de Munch como una danza del deseo y el destino frente a una espeluznante luna pálida reflejada en el mar inmóvil en una noche de verano escandinava. Era tan importante para él como una declaración de su filosofía pesimista que lo pintó dos veces, primero en 1900, nuevamente en 1925.

El artista y su modelo (1919-21). Algo ha cambiado. Munch ya no quiere pintar a otras personas. Él particularmente ya no está atraído por el deseo. Munch, calvo y miope, ha reemplazado amargamente tales ensoñaciones con la absurda broma de un "modelo" que no es más que un espantapájaros en bata. Los días bohemios se han ido. El artista está solo.

Noche estrellada (1922-24). Para cuando Munch pintó esto, ya no estaba simplemente tratando de crear rígidos símbolos de estados psíquicos. Realmente puede sentir la fría noche escandinava, puede imaginar caminar esos campos iluminados por las estrellas hacia el resplandor de lac iudad. Munch siente su aislamiento mientras permane allí en el frío, lejos de esas luces amistosas.

Autorretrato con botellas (1938). El viejo artista confiesa otra debilidad, esta vez con el alcohol. Desdentado y con la cara roja, busca en una gran variedad de botellas. Los colores son bonitos y pálidos. Bajo el intento del viejo artista de divertirse a todo color, deja claro que la vida es un infierno. No me extraña que necesite un trago.

Fotografías y textos: The Guardian